[카테고리:] Non-Metal

John Sykes가 돌아가셨다고 한다. 7-80년대 하드록/헤비메탈 뮤지션들이 많이들 돌아가실 때 된 거야 알고 있지만 생전 약물이다 뭐다 하는 스캔들도 없었고 화끈한 스타일의 연주로 알려진 Sykes가 겨우 65세에 떠나실 거라고 생각한 이도 별로 없었을 것이다. 고인의 명복을 빈다.

그래서인지 갑자기 Sykes가 참여했던 앨범들을 막 찾아들었다는 얘기들이 여기저기서 보이는데 흥미로운 점은 그 중 가장 많이 보이는 앨범은 바로 이 “Thunder and Lightning”이라는 것이다. 물론 좋은 밴드이지만 Thin Lizzy는 어디까지나 Phil Lynott의 밴드이고, John Sykes가 본격 메탈 뮤지션이라 하기엔 좀 애매하지만 특유의 격정적인 스타일을 생각하면 누가 봐도 메탈은 절대 아니고 하드록인 건 맞는데 화끈함보다는 흥겨움에 가까웠던 이 밴드에 딱이었다랄 인물이었는지도 좀 애매해 보인다. 말하자면 Thin Lizzy는 솔직히 Sykes의 이미지에 비해서는 좀 더 ‘노티나는’ 스타일의 밴드 아닌가 하는 얘기다.

그래도 “Thunder and Lightning”이 Thin Lizzy의 가장 메탈에 가까이 다가갔던 앨범은 맞을 것이다. Sodom이나 Megadeth도 커버했던 ‘Cold Sweat’도 있고, 밴드의 커리어에서 가장 메탈릭한 넘버인 ‘Thunder and Lightning’도 있다. ‘Someday She is Going to Hit Back’ 같은 곡은 다른 앨범이었다면 흥겨운 가운데 적당히 트리키함을 섞어주며 이어갔을 곡이었겠지만 이 앨범이었기 때문에 좀 프로그한 구석도 있고 NWOBHM도 참고한 듯한 음악이 되었다. 하긴 큰 맘 먹고 Tygers of Pan Tang의 기타를 데려왔으니 어느 정도는 당연한 결과일 것이다.

그리고 가끔(이라기보단 좀 자주) 격정이 지나친 듯한 모습을 보여주기도 한 Sykes이므로 아이러니하게 그가 참여했던 최고의 앨범은 본인 말고 다른 이가 확실히 중심에 있었던 앨범들이었고, 이 앨범도 결국은 Phil Lynott이 중심에 있었으니 가능한 결과물이었다는 생각도 든다. 생각해 보면 Whitesnake도 David Coverdale이 있었고, Blue Murder는 Sykes가 맘대로 하기에는 다른 멤버들의 짬이 너무 높았다. 어찌 보면 하드록의 역사에서 손꼽힐 2인자…라고 John Sykes를 기억할지도 모르겠다. 덕분에 좋은 거 많이 들었습니다.

[Vertigo, 1983]

가장 좋아하는 프로그 밴드가 뭐냐고 묻는다면 아마 그 유력한 후보 중 하나는 Yes이겠지만 그럼 Yes풍의 심포닉 록 스타일을 좋아하느냐고 묻는다면 여기에는 그렇다는 답이 쉬이 나오지는 않는 편이다. 심포닉 자체를 싫어한다기보다는 이런 류의 음악을 Yes 레벨로 한 밴드는 당연히 없었고, 나름대로 갈고 닦은 기량을 보여준 밴드들도 많았지만 그저 풍부하다 못해 과다할 정도로 심포닉을 쏟아부을 줄만 알았던 함량미달의 사례들은 더욱 많았던 탓일 것이다. 그런 면에서 다양한 프로그레시브의 부류들 중에서도 잘 하는 밴드와 못 하는 밴드의 실력차가 가장 극명한 분야도 아마 심포닉 프로그레시브가 아닐까 싶다. 하긴 우수사례가 Yes와 Genesis라면 이거 따라가기 참 어렵다.

그런 면에서 Epidaurus는 나름의 길을 찾아간 사례에 속한다. 독일 밴드여서 가능한 거겠지만 기타는 집어치우고 건반 주자 2명에 드러머도 2명을 내세운 변태같은 편성도 그렇고, 브리티쉬 심포닉도 있지만 또 한편으로는 비교적 심포닉(하기보다는 사이키)하던 시절의 Tangerine Dream의 모습을 가지고 있는 음악은 확실히 드물다. 말하자면 Genesis풍으로 연극적인 심포닉을 보여주다가 갑자기 어느 순간 우주풍의 뒷배경을 깔면서 Tangerine Dream 식의 일렉트로닉함(굳이 비교하면 “Stratosfear”)이 등장한다고 할까? 비교적 평이한 심포닉의 A사이드에 비해 이 괴이한 전개의 B사이드가 앨범의 핵심일 것이고, 취향 많이 담아 말한다면 ‘Wings of the Dove’는 이미 가세가 기운 70년대 말의 크라우트록 중에서는 기억할 만한 한 순간이라 생각하며, 짐작하자면 Eloy는 이 앨범을 듣고 이후의 앨범들의 방향을 다시 한번 생각해 보지 않았을까 싶기도 하다.

그럼 A사이드가 별로이냐? 하면 그 정도까지는 아닌데… 좋게 말하면 Annie Haslam의 목소리를 좀 더 가볍고 얇게 만든 듯한(나쁘게 말하면 덕분에 지나치게 앵앵거리는) Christine Wand의 보컬이 못내 귀에 걸린다. 보컬이 달랐다면 밴드의 역사도 달랐을지 모르겠다는 생각도 든다.

[Self-financced 1977]

오늘따라 어째 혼자서 심심하고 좀 그렇다 싶을 때는 간혹 꺼내듣는 Valerie Carter의 데뷔작. 그 시절 블루 아이드 소울 좀 섞인 피메일 포키의 솔로작은 사실 드물지 않지만 애초에 솔로 이전에 Jackson Browne이나 Linda Ronstadt 등의 백업보컬로 이름을 알린지라 만듦새만큼은 들어보지 않아도 검증됐다 할 만한 사례일 것이다. 아무래도 할 때 잘 했다보니 이 앨범에도 Jackson Browne과 Linda Ronstadt는 물론 Maurice White, John Hall 등의 화려한 게스트진을 데려올 수 있었을 것이다. 여기에서 우린 직장인으로서 이직을 하더라도 이전 직장과 굳이 척을 져 가면서 나올 필요는 전혀 없다는 실존적인 교훈을 얻을 수 있겠는데… 왜 새해부터 Valerie Carter 앨범 들으면서 굳이 이런 교훈을 얻고 있는지는 모를 일이다. 각설하고.

Valerie Carter의 특징이라면 Leslie Duncan 류의 피메일 포키 스타일은 물론이고 거기에 Joni Mitchell 마냥 적당히 어두우면서도 다른 방향의 접근을 보여주는 점이라고 생각한다. 이를테면 ‘Back to Blue Some More’의 블루지하면서도 재즈적인 전개가 그렇지 않을까? 이 시절 컨트리 물 많이 먹은 미국의 포크 앨범들에서는 지금 포크를 연주하고 있지만 사실 나의 영혼은 Leslie West와 다를 바가 없다는 듯 단선적인(나쁘게 얘기하면 꽤 멍청해 보이는) 작풍을 보여주는 사례들도 많다고 생각한다. 그런 면에서 블루그래스에서 블루스, 재즈까지 다양한 스타일을 단정하게 소화하다가 가끔은 지루해질까 Earth, Wind & Fire 마냥 펑키한 면모도 간혹 보여주는 모습은 Valerie Carter가 그런 부류와는 격을 달리할 정도로 똑똑한 뮤지션이었음을 보여준다. 사실 이 정도면 시절도 시절이었겠다 포크 집어치우고 디스코를 했더라도 잘 했을 거라는 생각도 든다.

뭐 워낙 유명하니 많이들 들어보셨겠지만 한가로운 주말 적당히 햇살이 쏟아지는 시간에 맛있었으면 좋았겠지만 쓴맛이 좀 과하고 그렇지만 맛없다고 하긴 좀 미안한 커피(요새의 스타벅스?)를 마시며 틀어놓기 좋은 달달한 음악을 찾는다면 권해본다. 그런데 니가 왜 그런 걸 듣고 있냐고 하냐면 글쎄요.

[Columbia, 1977]

Klaus Schulze는 2022년에 세상을 떠났지만 이후에 스튜디오에 박혀 있던 아카이브들을 발굴하고 있는지 이렇게 앨범이 나오고 있다. 사실 Klaus Schulze를 그렇게 좋아한다고까진 말 못하겠고, Ash Ra Tempel 이후의 행보는 기본적으로 메탈바보인 나로서는 소화하기 어려운 데가 있는데다, 고품격 야동 OST라고 할 만한 “Body Love” 연작 이후에는 에너제틱함은 찾아보기 어려운 음악이 되었다. 혹자에게는 이거나 저거나 둘 다 명상용 음악으로 들릴 수도 있는데 그래도 그 와중에 느껴지는 야성적인 면이 걷혀져 버렸다고 할까? (물론 이건 Edgar Froese에도 적용되는 얘기이긴 하다)

물론 “101, Milky Way”라고 다르지 않다. 2008년에 해커에 대해 제작 중이던 독일 다큐멘터리를 위한 사운드트랙으로 만들어졌다가 이제야 공개되었다는 앨범이니 저 다큐멘터리가 어떤 내용이었을지는 모르지만 이미 Klauze Schulze에게 정력적인 스타일을 기대하기는 어려운 시기였을 것이다. 그래도 앨범 여기저기에 퍼커션을 통해 분위기를 고조시키는 부분에서는 의외의 에너지를 느낄 수 있고, Jean-Michel Jarre를 좀 더 어둡게 만든 듯한 ‘Alpha’는 이 즈음의 Klaus Schulze의 음악에서 쉬이 찾아볼 수 없는 류의 곡이라고 생각하며, 정적인 인트로 끝에 날이 선 전개를 보여주는 ‘Uni’는 의외일 정도로 한창 시절의 모습을 엿보이는 데가 있다. 기대 이상으로 재밌게 들었다고 할 수 있겠다.

하지만 그래도 두 번을 몰아 듣기는 여전히 좀 어렵다. ‘Multi’ 같은 곡은 OST니까 이렇게까지 만들었겠거니 하는 생각도 드는데(특히 part 3) 암만 그래도 무슨 내용인지도 모르는 영상에 붙여진 30분 넘어가는 앰비언트를 어찌 쉽게 듣겠나.

[SPV, 2024]

Der Blutharsch의 4집. 취향이나 시각차는 있겠지만 이들을 네오포크의 거물 소리를 듣게 만들어 준 앨범은 “When Did Wonderland End?”일 것이고, 그 이전은 어찌 생각하면 의외일 정도로 포크 바이브와는 거리 있는 인더스트리얼을 보여주고 있다. 그리고 이들의 인더스트리얼은 동시대의 비슷한 부류로 여겨지는 다른 그룹들에 비해서도 좀 더 연극(이라기보단 영화에 가깝지만)적이라는 게 사견이다. 일단 테마를 드러내지 않는 이 밴드 특유의 곡명(들)은 물론이고, 호전적인 비트가 없는 건 아니지만 그만큼이나 다양한 면모들을 함께 담아내고 있고, 중간중간 등장하는 샘플링 등이 어렴풋이 청자에게 해석의 방향을 제시하지만 그런 다양한 음악들의 파편들에서 어떤 이미지를 떠올릴지는 결국 오롯이 청자의 몫이다. 각설하고.

“The Track of the Hunted”는 Der Blutharsch의 ‘인더스트리얼’ 앨범들 중에서는 가장 앰비언트적이고, 덕분에 바로 저 연극적인 면모도 가장 두드러지는 앨범이라고 생각한다. 달리 말하면 좀 더 다채로운 색채를 입힌 Deutsch Nepal 같은 앨범이라고 할 수 있을 텐데, 그런 면에서는 인더스트리얼의 좀 더 고전적인 형태에 가깝다고 할 수 있을지도? 하지만 좀 더 원시적인 형태의 무곡마냥 에너지를 보여주는 5번 트랙이나 사운드의 파편들 가운데 오페라 아리아 등이 섞여들어가는 모습, 3번 트랙의 기묘한 유머러스함은 이 앨범을 평범한 martial 앨범과는 좀 다른 지위에 올린다. 좋다는 뜻이다.

하긴 요새 나 클래식만 듣는다고 했었구나.

[WKN, 2000]