[카테고리:] Non-Metal

Marillion의 역사적인 데뷔 싱글. 암만 Marillion이라도 싱글까지 어떻게 모으냐… 싶기는 한데, 어쨌든 이 싱글의 수록곡들은 정규반에 수록되지 않았던 곡들이기도 하고, 어찌 보면 Twelfth Night보다도 데뷔가 늦었던 이 밴드를 네오프로그의 대표주자로 만들어 준 건 이 될성부른 시작점이 무척 컸다고 할 수 있을 것이다. 시절이 시절인지라 하드록 기운이 그래도 좀 있었던 덕분이었는지 네오프로그 싱글답지 않게 Kerrang!의 차트에 이름을 올렸다는 트리비아도 있으니 나름의 역사적 가치…를 생각할 수도 있을 것이다. 물론 네오프로그 얘기하면서 역사적 가치를 얘기하는 자체가 좀 무리일 순 있겠다.

밴드의 일반적인 스타일에 비해서는 확실히 차트를 의식했구나 싶은 직선적인 연주와 아마도 대처 시대의 어두운 그림자를 Fish스타일로 묘사했을 가사가 의외의 화끈함을 선사하지만 그래도 이 싱글의 핵심은 B사이드의 ‘Grendel’이라는 데 별 이견이 없을 것이다. 12인치 싱글을 꽉 채운 17분 40초의 Genesis를 여실히 의식한 연극적인 연주는 밴드 본인들은 나름 불만이 있었던 것 같고(밴드는 1983년 이 후 이 곡을 라이브에서 연주하지 않았다) 사실 그 정도로 과중하게 만들어 놓을 것까지도 없었다…는 생각도 들지만, 어쨌든 ‘Grendel’이 밴드의 가장 인기 많은 곡들 중 하나라는 것도 분명하다. 이런 걸 만들어 놓고 정작 정규 데뷔작에는 싹 다 빼 버리는 모습도 Marillion이 처음부터 얼마나 야심찬 행보를 보여주었는지를 보여준다.

밴드의 초창기 싱글들은 “The Singles ’82-’88” 박스셋으로 다 구제되었으므로 굳이 이 싱글을 사야만 하는 이유가 뭐냐면 좀 망설여지기도 하지만, 그래도 비교적 심플한 A사이드의 ‘Market Square Heroes’와 ‘Three Boats Down From The Candy’에 이어 이제 각잡고 들으라는 듯 ‘Grendel’을 B사이드에 실어놓은 완결성을 봐서라도 이 싱글 한 장 정도 갖춰놓을 가치는 충분하지 않을까 싶다. 상태 멀쩡한 판을 보기가 어려워서 그렇지 그럭저럭한 물건은 어쨌든 20유로 이하에서 구할 수 있으므로 싱글로서 가성비도 충분할 것이다. 하긴 애초에 25분 넘어가는 싱글이란 게 그리 흔치만은 않을거다.

[EMI, 1982]

독일 프로그에 대한 ‘뭔가 딱딱하고 어려운 듯한’ 선입견을 정면으로 반박하는 전형적인 사례(달리 말하면 독일이 낳은 Camel 짝퉁)로 흔히 소개되는 밴드이긴 하지만, Camel보다 겨우 1년 늦게 결성된 이 밴드를 그렇게만 소개하면 밴드 입장에선 꽤 억울하지 싶다. 하지만 결성만 빨랐지 밴드가 처음으로 제대로 된 앨범을 내놓은 건 1979년이었으니 말하고 보니 Camel과 같이 놀려고 한다면 그것도 또 많이 그렇긴 하다. 뭐 Camel에 비해서는 빛본 건 거의 없다시피한 밴드이니 적당히 봐주고 넘어간다.

그런 밴드의 역사를 생각하면 2000년 재결성 이후의 모습은 놀라울 정도로 프로그 물이 쫙 빠져 있는데, 그래도 뭔가 듣기 편해진 Porcupine Tree 같은 구석이 있었던 “Wrong”까지의 음악보다도 한 걸음 더 팝적으로 변한 이 앨범을 듣고 좋아할 사람보다는 본전 생각할 사람이 더 많을 것이다. 하지만 나처럼 프로그 하던 형님들이 80년대에 연주한 아재들의 길티 플레져 스타일을 좋아하는 경우라면 이 앨범도 꽤 괜찮지 않을까 싶다. 에너제틱한 거야 기대하기 어렵지만(이 분들 연세를 생각한다면야) 멜로디는 어쨌든 귀에 잘 들어오는 편이고, 어쨌든 John Wetton 스타일이었던 Harald Bareth에 비해서는 새로운 보컬인 John Vooijs는 확실히 좀 더 말랑하고 팝적인 스타일의 노래를 들려준다. 그래서인지 이 앨범은 내가 들었던 이 밴드의 앨범들 중에서는 가장 발라드의 비중이 높은 편이다. 덕분에 Jimi Hendrix의 커버인 ‘Voodoo Chile’가 프로그레시브 메탈처럼 들릴 지경이니 이 정도면 그냥 Anyone’s Daughter식 AOR 앨범이라 해도 좋을 것이다.

하지만 누가 뭐래도 밴드의 좋은 시절은 80년대 초반의 모습일 것이니 가장 기억에 남는 것은 데뷔작의 ‘Anyone’s Daughter’를 은근히 뒤튼 ‘She’s Not Just Anyone’s Daughter’일 수밖에 없을 것이다. 우리가 꼭 너네가 알고 있던 그런 모습만은 아니라는 밴드 본인들의 얘기일지도 모르겠다. ‘One World for You and Me’의 당혹스러운 힙합 사운드를 제외하면 나로서는 좋게 들었다.그런데 저 곡은 좀 많이 심각하긴 했다.

[Inakustik Music, 2018]

Kirlian Camera만큼 커리어 내내 탐미적인 스타일을 유지해 온 일렉트로닉 밴드는 매우 드물 것이라 생각한다. 말이 드물다지 이 밴드가 1979년부터 시작된 장르의 개척자 중 하나임을 생각하면 이만큼 일관된 커리어는 사실 유일하다고 해도 괜찮겠거니 싶다. 덕분에 Kirlian Camera에 대한 씬에서의 존중은 생각보다 더 높은 것처럼 보인다. Abbath와 The True Endless 등에서 베이스를 잡았던 Mia Wallace가 이 ‘팝’ 밴드에 세션으로 합류한 건 그런 의미에서 보여주는 바가 있을 것이다. 하긴 이 분이 합류한 것도 2018년이니 이젠 그리 신기할 얘기도 아니다.

3년만의 신작은 더블 앨범으로 나왔는데, 밴드가 늘 그랬듯 탐미적인 류의 다크-팝 스타일이지만 그 범위 안에서 나타나는 모습들은 꽤 다채롭다. 앨범마다 꼭 하나 이상은 등장하던 사이키한 앰비언트풍의 ‘Genocide Litanies’나, 몽환적이지만 무척이나 팝적인 ‘The Great Unknown’, 밴드의 어두운 측면을 단적으로 보여주는 ‘Il Tempo Profondo’, 네오클래시컬 튠이 돋보이는(덕분에 잠깐 Ataraxia 생각도 나는) ‘Madre Nera’ 등은 사실 밴드의 다른 앨범에 수록되었다고 하더라도 위화감이 없을 정도의 곡들이지만, 이 앨범에서 서로 잘 어울려 나름의 분위기를 이뤄낸다. Elena Fossi의 적당히 관능적인 보컬이 더해지면 이제 음악은 고쓰의 경계까지 넘본다. 사실 이런 건 모두 40년 넘게 밴드가 보여준 모습이기는 하지만 Depeche Mode의 ‘Wrong’ 커버에 이르면 이 스타일이 아직도 충분히 세련되게 들린다는 점도 더욱 명확해진다.

700장 한정 아트북에는 보너스 한 장이 더 들어가 있다는데 한 장 또 사야 하나…

[Dependent, 2024]

Depeche Mode나 New Order 같은 이름들 덕분에 많은 이미지 순화가 이뤄져서 그렇지 Mute Records의 초창기 카탈로그를 보자면 이 레이블이 그 시절 어디 가도 밀리지 않을 정도로 똘끼 넘치는… 레이블이었다는 점을 알 수 있다. 그리고 그 초창기의 이름들 중에서도 가장 눈에 띄는 이름들 중 하나라면 역시 Boyd Rice일 텐데, 무려 Stumm 4번으로 Depeche Mode의 데뷔작보다도 먼저 나온데다… NON의 이름으로 나온 Boyd Rice의 앨범들의 수를 생각해 보면 Boyd Rice를 레이블의 가장 중요한 뮤지션들 중 하나라고 해도 많이 과장은 아닐 것이다. 논란거리로는 업계 최고봉일 인물인만큼 레이블로서는 용감하기 그지없는 선택이었을 것이다. 80년대 초반이니까 가능했을 선택이라는 생각도 들지만 그 시절이라고 Boyd Rice가 정상인이었을 리는 없다는 생각도 든다.

Spell은 그나마 Mute에서 Boyd Rice가 내놓은 앨범들 중에서는 가장 ‘순한맛’에 가까울 프로젝트이다. 그래도 차트의 상단에 이름을 내밀던 메이저 팝 듀오의 멤버에서 네오포크를 대표하는 여성 뮤지션 중 하나로 변신한 Rose McDowall과 함께 만든 커버곡 모음집…이라고 할 수 있을 텐데, 싼티를 완전히 감추지 못한 드럼머신과 신서사이저 위에 Rose의 예의 그 ‘ethereal’한 보컬을 얹은 스타일로 꽤 ‘스푸키’한 내용들을 담은 러브송들을 풀어냈으니 이 둘이 함께 만든 음악으로서는 이만큼 안전한 선택도 없을지도? 하지만 Jacque Brel의 원곡인 ‘Seasons in the Sun’을 극우전사 Boyd Rice가 연주하는 아이러니함이 매력적인지는 사실 잘 모르겠다. Dolly Parton의 곡인 ‘Down from Dover’도 고개가 갸웃거려지는 선택일 것이다.

그래도 ‘Rosemary’s Baby(Lullaby Part 1)’나 ‘Stone is Very Very Cold’ 같은 곡은 이 듀엣만이 만들어낼 수 있는 스타일이라는 게 있지 않을까 하는 모습을 보여준다. 애초에 러브송을 만질 사람들이 아닌데 굳이 러브송을 만진 나머지 제일 좋은 곡들은 아이러니하게도 본격 러브송과 거리가 있는 곡들이라는 것도 흥미롭다. 쓰고 보니 이게 칭찬인가…

[Mute, 1993]

John Sykes를 좋아하냐면 꽤나 좋아한다고 말할 수 있고 화끈함으로는 당대의 다른 연주자들 중에서도 손꼽힐 명인이라 생각하지만 그렇다고 이 분이 참여했던 앨범들 중에 본격 헤비메탈 앨범은 사실 별로 없다. 그렇지만 이 분에 대한 이미지는 (적어도 내 주변에서는) 불끈불끈 힘이 넘치는 철의 기타리스트…인 양 묘사되는 경향이 없지 않아 보인다. 아무래도 Sykes가 Whitesnake나 Blue Murder, 또는 Thin Lizzy의 “Thunder and Lightning”를 통해 이름을 날린 바 많으니 그럴 것이다. 말하자면 John Sykes가 흔히 생각하는 것보다는 나름 멜로우한 모습을 많이 보여준 연주자라는 것이다. 노래까지 하다가 앨범을 망치곤 하는 몇몇 반면교사와는 달리 노래도 꽤 잘 하시는 분이기도 하고.

그런 John Sykes의 멜로우한 모습을 가장 잘 보여주는 앨범은 이 앨범이라고 생각한다. 애초에 레이블에서 일본시장용 발라드 모음집 하나 만들자고 했던 게 정규앨범으로 나온 거기도 하고, 어찌 생각하면 기타 잘 치고 노래도 잘 하고 얼굴도 이만하면 잘생겼고… 한 John Sykes인 만큼 발라드 모음집 내기는 딱이다 싶기도 하다. 문제는 화끈한 플레이로 유명한 분인 만큼 앨범에 대한 세간의 평가는 레이블의 기대와는 딴판이었고, 덕분에 나처럼 일본반이라면 돈 걱정부터 앞서는 사람도 1997년 이후 재발매 한 번 된 적 없는 이 앨범을 저럼하게 만나볼 수 있게 되었다. 뮤지션 입장에서는 꽤나 곤란할 것이다.

발라드 모음집인 만큼 화끈한 면모는 찾아볼 수 없고, 딱히 두드러지는 곡도 없는 편이긴 하지만 어쨌든 특유의 비브라토도 확실한 존재감을 보여주고, Beatles풍의 ‘Wuthering Heights’나 Phil Lynott의 목소리를 들을 수 있는 ‘Dont Hurt me This Way’의 블루지함 등 이 영국인 기타리스트의 현재를 이룬 다양한 모습들을 두루 확인할 수 있는 앨범이기도 하다. 하드록 한 곡만 제대로 넣어놨어도 아마 앨범에 대한 평가는 지금과는 많이 달랐을 수 있겠다 싶기도 하다. 하긴 나부터도 듣다 보면 답답함이 없지 않으니 말이다. 이런 느낌은 케니지 솔로 앨범에서 느껴봤던 것 같기도 하다.

[Mercury, 1997]